作品简介：

     这部作品创作的时间是在去年的年终。老实说，我把它搬到这个原创的舞台当中是有我的目的，因为可能很多网友朋友们都会弄混了一个电子伴奏音乐和纯正电子配乐是和概念，我们先看一段资料把：）

“电子音乐
电子音乐可以泛指一切利用电子手段产生，修饰的声音制作而成的音乐，与由共鸣题自然发音的音乐相区别。有人把这里的电子音乐称作电声音乐electro-acoustic music，以区别于下文提到的，与具体音乐相并列的电子音乐。但是，严格意义上的电子音乐是指不仅在演奏上，而且也在作曲上利用电子手段而形成的音乐。因此，他不包括由电声乐器演奏的音乐如1920年出现的 特里明琴（以他的发明者leon theremin的名字命名）、1928年出现的马特努琴（maurice Martenot）以及其他各钟电乐器，电子乐器等。这些电声乐器突破了传统乐器的音响范围，却依然像其他乐器一样，专供演奏现成的音乐。他们与在实验室里已用的电子设备作曲而成的音乐不同。我们在这里讨论的是后一种电子音乐。他的产生是战后的科学技术迅速发展的结果，也是噪音音乐在新世纪继续试验的产物。
电子音乐的发展可分为3各阶段。
第一阶段：录音带音乐
利用录音带操作技术职称的电子音乐作品可统称为录音带音乐tape music。它可包括具体音乐和电子音乐两类。具体音乐musique concrete是把自然界或日常生活中的具体音响录下来，加以变化和处理，组成作品，以此与作曲家写在乐谱上的抽象符号所标示的音乐相对照。具体音乐的发明者是法国作曲家谢菲尔pierre schaeffer 1910-1995。它的父母虽然都是音乐家，它却在1929年进入工科大学学习，毕业后任专职的电讯工程师。它在巴黎法国广播电台工作期间，有机会结出大量音响效果资料。1948年，他创作了第一首具体音乐作品《火车练习曲》，把车轮滚动，喷气，汽笛等声音拼接、录制而成。音乐代试制成功是在第二次世界大战结束时，但直到50年代初才被投放市场。谢菲尔在1951年使用磁带录音机前，一直依*录音盘进行录音（disc recording).他最流行的具体音乐作品是同年创作的（锅盘练习曲）etude aux cassroles又名《忧郁练习曲》，etude pathetique),其中录制了锅盖旋转、口琴、和尚念经、巴厘音乐、咳嗽等各种声音。
谢非尔在具体音乐中使用的方法为后来的录音带音乐打下基础，如：录音带打圈子（可使声音无限循环）、变化速度（以改变音高）、反转方向（使通常的发音方式到转过来）、分切和拼接、录音带延迟（以产生回声效果）等。它在巴黎电台建立了世界第一个最大的音乐实验室，这个实验室吸引了很多作曲家来这里短期工作，如布列兹、米约、梅西昂、施托克豪森等。

1951年，在西德克隆电台也建立了电子音乐实验室，那里的作曲家也利用录音带制作电子音乐作品，但与具体音乐不同的是，他们不采用自然界和日常生活中的音响，而是采用电子设备本身如振荡器发出的声响作原材料。德国的电子音乐，从一开始，就带有更多的科学实验的性质，不像法国那么注重情趣和气氛。克隆试验室的建立者艾默特（herbert Eimert,1897-1972）是一位作曲家，毕业于克隆音乐学院，信奉12音体系。他不出名，但很重要。他认为序列技术的进一步发展只能在电子音乐中才能实现。他对施托克豪森有很大影响。施托克豪森曾在他的实验室工作，很快就成为德国电子音乐的代表人物。他的第一首重要的电子乐作品是《练习曲2》1954，只采用正和弦音作为音源，同时，结合使用序列手法。他最重要的电子音乐作品是《青年之歌》1955-1956，为童声和电子音响而作。童声经过变形、加工、变得支离破碎，再与电子音响相结合，十分奇特。现场演出时，《青年之歌》还使用了5个拉开距离的扩音喇叭，从而把“空间运动”的概念引入音乐。
50，60年代，巴黎和克隆是西方电子音乐的两个中心。从《青年之歌》采用人声可以看出，法国具体音乐和德国电子音乐之间的区别正开始消失。50年代中期起，其他各国也相继建立电子音乐实验室，如意大利米兰的电子音乐实验室和美国哥伦比亚-普林斯顿电子音乐中心等。意大利电子音乐的代表人物是贝利奥Luciano Berio1925-,他最著名的电子音乐作品是《主题》thema1958,材料取自乔伊斯james joyce的小说《尤利西斯》，也是利用人声进行电子处理。美国电子音乐的代表人物是乌萨切夫斯基Vladimir ussachevsky1911-。他即采用自然声音，也采用了电子声音，兼取法德两国所长，代表作如《木管和铜管》1965。在美国有影响的电子作品中，还应该提到瓦雷兹的《电子音诗》1957，巴比特的《菲罗海尔》philomel，或译为《夜莺》1964，为女高音和录音带而作，同时采用序列手法，凯奇的《方他那混合曲》1958等。其中《方塔纳混合曲》由一系列躁音所组成，既是电子音乐中离开传统最远的一个例子，也是一手令人难以接受的偶然音乐作品。

第二阶段：和成音音乐
虽然1955年出现了著名的RCA(美国无线电广播公司)电子合成器synthesizer，1959年有改进为RCA Mark2合成器，但是直到1964年电平控制合成器voltage controlled synthesizer问世以后，合成器音乐才有了广泛的实际使用价值。电平控制合成器是一个小型的制作电子音乐的独立完备的系统。它代替原来满屋子的器材和很多插线，通常包括3个部分1：产生声音（振荡器，噪音发生器）；2。处理声音（扩音器、混频器、滤波器、反响器、环行调制器等）3。控制源（包括发生器、音序器、键盘等）。它大大简化了电子音乐的创作过程（在原来的录音带音乐中，制作30秒钟的时间需要4个小时），扩大了声音的范围和性能，还可现场表演，进行即兴作曲。在各种小型的电子合成器中，最常见的有“穆”（设计者为美国的Robert Moog)\布克拉Donald Buchla和辛-凯特Paolo Ketoff三种。卫国作曲家苏博尼克Morton Subotick 1933为布克拉合成其创作了合成器音乐的代表作《月亮上的银苹果》。

第3阶段：计算机音乐
计算机音乐computer music 是指那些不仅利用计算机作曲而且其引向材料也出自计算机的音乐作品。因此，如果一首音乐仅仅依*计算机的协助来进行作曲，还不是严格意义上的计算机音乐。计算机比合成器更加优越，有着产生潜在的各种声音的巨大可能性；有着制作精确印象和复杂节奏的能力，不受常用乐器和演奏员的限制。它可以加速和简化音响制作过程，免去拼接磁带的烦人劳动，有时，只须改变一些指令，就能轻易的产生同一首作品的不同版本等等。电子音乐作曲家利用计算机直接操纵音响，完成一首作品，无需演奏人员帮忙，达到了空前边界的程度。计算机音乐所展示的广阔前途，已被人们所认识。近一二十年来，随着计算机技术的反战，电子音乐的电脑化已使电子音乐的制作进入普通家庭。越来越多的作曲家正在学习特定的计算机城区和语言，掌握计算机专业知识和技能。计算机音乐的代表人物如法国的里塞Jean Claude Risset,1938。它是一位很少有的竟同计算机专业的作曲家，她的代表作有（突变）Mutations1,1969等。

电子音乐提出了新的问题：
1任何声音都成了音乐的基本材料
序列音乐，怎么变化，仍采用12个半音。现在，从纯音（正弦音）直到最复杂的噪音都被当作音乐，那么，什么是音乐？《辞海》提到：音乐通过有组织的乐音形成的艺术形象，表达人们的思想感情，反映社会现实生活，首要条件是乐音。如果不是有乐音组成的音乐，还是不是音乐？
2特殊的结构方式
传统音乐中的各种基本表现手段，如旋律，和声等，都是以乐音为基础的。电子音乐中也会使用节奏、复调等用词，但含义不同。特别是曲式结构，电子音乐主要依*紧张和松弛（包括快慢强弱）的关系，以及音乐的变化等来组织音响。那么，在电子音乐中，相当于传统音乐曲式的具体结构形式是什么？
3取消了演奏者
作曲和演奏合二为一是电子音乐的一个特点。操作仪器，既是作曲，也是演奏，不需要另有演奏人员。当然，电子音乐发展到后来，经常结合现场演出。配合着播放音乐带，舞台上也出现演奏家。尽管如此，电子音乐作为一个独立品种，很多作品是在实验室完成的。
4改变了记谱法
有的电子音乐没有乐谱，有的只是以其操作技术的细节说明，也有的采用图式示的记谱法，不一定再现于五线谱记谱。不仅如此，电子音乐的这些特点，又进一步影响了非电子音乐，也在常规音乐中表现出来。
不管对电子音乐怎么看，有多少争议，他的日益普及已是事实。除了上面提到的法、西德、美、意等国家外，很多西方国家也都用了电子音乐实验室，一般都设在大学或者是电台里。仅美国在70年代就有400多个。在日常生活里，在电视、电影、剧场、广播中，经常可以听到电子音乐音响。有的流行音乐团体也在使用合成器。他的优越性除了具有传统音乐所不具备的特殊音响和表现力以外，还可以减少费用开支。
电子音乐几乎是无限的扩大了声音的范围和性能，特别是具有科技新时代的音响特征（过去的乐器如双簧管可以使人联想到田园景色，小号可以使人联想到凯旋的队列进行等等）。但是，正如器乐比起人声来，由他的优越性，扩大了声音的范围和性能，却并不因此可以代替人声一样，电子音乐也不能代替传统音乐。 从整体上来看，他不可能是未来音乐发展的唯一方向，但却是一种很有前途的音乐。它是一个品种，增加他，只会使音乐的园地更加多彩。当然电子音乐作品是多种多样的，那种从头到尾都是由噪音组成的电子音响，恐怕很难让人接受

如果有耐心的朋友看完了我上面转贴的那段电子乐的资料，就不难看出我的这首作品其主要风格在哪里，下面我想说一说我作曲的思路。

去年一年我都致力于研究语言性的音乐效果以及人性情感所能表达的音乐效果。这首作品只是我的一种初步的思路。这条创作性的思路我将继续研究下去。

首先，我是通过自我的环境条件，有幸地接触了来自不同国家不同语言的外国朋友们，这其实是一个引子，也是给我灵感来源的最大路径。通过跟他们的交流，我发现了其中2大特点：其一，英语交流的缺点就在于由于不是第一语言，甚至有些人根本不会说英语，不过这并不能成为我们交流的障碍，其原因所在是因为肢体语言也就是人性情感上面的共通性，而且还有一点很奇妙，就比方说中国人说英语，其实通过自己的发声结构和后天性语言的培养，习惯性的很自然就会有自己的独特口音，例如鱼的u音就是一个特点，由或者和英语作比较的话ei 和i往往就混作成一团。说说外国人罢，俄国人的卷舌音，日本人的鼻腔结构，还有甚至德国人的吐舌，都是其口音的特点。其2，音乐语言，当你听到一种你根本不知道的语言在交谈的时候例如中国人听韩国人说韩语，你就会觉得他们好像是在唱歌，又或者在内心中是另一种新鲜的感觉，但是毕竟他们都有发出音响效果，而这种音响效果对于不同国度地域里生长出来的人来说，简直就是一种怎么说呢？至少给我的感觉就是看3维立体式的动画。我所能用第一直觉接受的就在于那一段段的语言旋律线说制造出来的声音效果。

这部作品与其说是一首创作品，倒不如说是一首独立的实验品，当中我自己运用了5种不同国度的语言：中文，英语，韩语，日语和伊拉克语。首先我要求这几个外国朋友用几个简单的词汇来表达一种意思，例如你好！然后分别录制上去。然后再作几组相同含义的句子，用他们的第一国语言再加入其自己的情感：生气，悲伤，窃窃私语等等等等。这都是我的音乐动机。在录制的过程中，很多人都很难进入角色，因为也许我们都有一种共同的思想：新鲜好玩！所以录制完以后，我们大家畅聊录制的过程，以及互相玩笑。这是我所欣慰的。

在制作过程当中，我运用pro tool里面的各个效果，例如压缩，伸展，混响等等，把那些语言声音的动机一个一个的加工，然后再去思考其音乐的结构，然后连接在一起。第一次演出的时候，我很兴奋，因为给我的设备也是出乎我想象当中的好，在一个音乐大厅里我可以用调音台支配8只环绕立体声的音箱，而且这些音箱的摆设也是通过围绕着听众而设计的，所以出来的效果就仿佛旋律在脑袋瓜子上空来回飞阿飞阿！！。。。。。